L’intervento, concepito attraverso un dialogo diretto con le comunità carcerarie, si configura come un dispositivo architettonico civico e simbolico volto a ridefinire la relazione tra il carcere e la città di Brescia. La Porta della Speranza di Stefano Boeri Architetti è collocata, infatti, presso la Casa Circondariale “Canton Mombello”, complesso penitenziario con uno dei più alti tassi di sovraffollamento in Italia, e affronta un tema fondamentale: il lavoro come principale forma di speranza e di reinserimento sociale.

La Porta della Speranza, è concepita come una soglia piuttosto che come una barriera. All’interno del carcere viene collocata nel panopticon, diventando un’interfaccia permanente dedicata alle opportunità di lavoro, istruzione e formazione professionale per le persone detenute. Una delle ante della porta è infatti trasformata in un grande display digitale che aggiorna costantemente le informazioni relative a offerte di lavoro, programmi di formazione, tirocini e collaborazioni proposte da imprese locali e cooperative sociali, sia all’interno sia all’esterno del sistema penitenziario.

A questo gesto fa da contrappunto l’installazione di una porta identica in Piazzale Arnaldo, uno degli spazi pubblici più vitali della città. Qui la porta si apre verso la città, condividendo non solo opportunità di lavoro ma anche conoscenza sulla realtà carceraria: le condizioni della detenzione, il fenomeno del sovraffollamento e il lavoro quotidiano, spesso invisibile, svolto dal personale penitenziario, dagli operatori sanitari, dai volontari, dalle imprese locali e dagli stessi detenuti attraverso iniziative culturali e artistiche.

Pur essendo fisicamente separate, le due porte, formate rispettivamente da due ante in legno di 3 m di altezza e 1,5 m di larghezza, costituiscono un unico sistema architettonico e civico. Esse attivano un doppio movimento — dalla città verso il carcere e dal carcere verso la città — consentendo la circolazione di informazioni, opportunità, progetti e aspirazioni oltre i confini istituzionali. Nel rispetto delle regole del sistema detentivo, il progetto introduce così un’infrastruttura concreta e simbolica di speranza, trasformando l’architettura in uno strumento di consapevolezza, responsabilità e inclusione sociale.

La Porta della Speranza ridefinisce così il concetto di soglia come spazio di scambio, in cui il lavoro diventa la chiave per la dignità, il reinserimento e una rinnovata relazione tra individui, istituzioni e città.

Si ringrazia in particolar modo la Casa Circondariale “Nerio Fischione” di Brescia, la direttrice Francesca Paola Lucrezi, il funzionario giuridico pedagogico Matteo Pedroni e il corpo della Polizia Penitenzia. Si ringrazia per la collaborazione il Comune di Brescia, la sindaca Laura Castelletti, il capo gabinetto Giandomenico Brambilla, Servizio Coordinamento Cantieri e Gestione Traffico, Settore Strade Dario Nicolosi, la Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per le Province di Bergamo e Brescia, Giuseppe Stolfi, Annamaria Basso Bert, Serena Rosa Solano.  Si ringraziano le associazioni che portano avanti i progetti didattici e di supporto alla reintegrazione nelle carceri di Brescia: Centro per l’impiego, CFP Zanardelli, Camera di commercio Industria, Artigianato e Agricoltura di Brescia, Confindustria Brescia, Fondazione della Comunità Bresciana, IAL Lombardia Brescia, Gruppo Foppa, Confcooperative Brescia, Energheia impresa sociale, Solco, Camera penale di Brescia, Space work, Fondazione Cariplo. 

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Il progetto, che ha l’obiettivo di integrare 9 soluzioni e 7 strumenti digitali per promuovere un patrimonio storico-culturale inclusivo e sostenibile in 3 città pilota, coinvolge per 3 anni 15 partner provenienti da 5 Paesi dell’UE, tra cui l’Università di Patrasso (Grecia – coordinatore), l’Università dell’Egeo (Grecia), ACT (Irlanda), il Comune di Ballina (Irlanda), l’University College Dublin (Irlanda), Institute for Advanced Architecture of Catalonia (Spagna), LAND Italia srl (Italia), il Comune di Milano (Italia), e la Rete europea dei centri culturali (Belgio). Le città pilota – Milano (Italia), Ballina (Irlanda) e Elefsina (Grecia) – diventano laboratori viventi per la trasformazione urbana.

A Milano il progetto si focalizza sulle cascine come patrimonio storico e culturale e la loro valorizzazione tramite soluzioni basate sulla natura (NBS) e installazioni di design partecipativo.

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In questo contesto, il calciatore scelto per collaborare con Stefano Boeri Architetti è Sandro Mazzola, leggendaria figura del calcio italiano, che ha incarnato lo spirito del gioco con la sua inventiva e determinazione.

Tra le altre collaborazioni tra artisti, designer e calciatori figurano: Bàrbara Sànchez-Kane e Jorge Campos; Alvaro Barrington e Raì Vieira; Ryan Gander e Eric Cantona; Keiken e Ella Toone; Rose Wylie e Lotte Wubben Moy; Suzanne Lacy e Vivianne Miedema.

L’installazione di Stefano Boeri Architetti si trova presso Aviva studios di Factory International Venue di Manchester, uno spazio culturale dedicato alla creatività e a esperienze immersive di grande scala. Aperta al pubblico dal 4 luglio fino al 24 agosto, l’opera prende ispirazione dal carattere industriale della sede, allineandosi con la sua estetica per creare un ambiente calcistico intenso e identitario. Collocata come elemento focale della mostra, l’installazione si posiziona al centro di altre 11 opere tematiche legate al calcio, rafforzando il proprio carattere di attrazione principale e coinvolgendo i visitatori in un percorso interattivo nei ruoli iconici di questo sport.

L’installazione è composta da tre spazi circolari, definiti da specifiche grafiche adesive sul pavimento a cura dell’artista messicano Eduardo Terrazas e racchiusi da un sistema modulare di pareti, costruite con profili in legno lamellare e pannelli multistrato da 3/8″, ispirati alle rampe da skateboard, posizionate in verticale. Le pareti sono dotate di aperture circolari, progettate con il contributo di calciatori professionisti, abbastanza ampie da permettere il passaggio dei palloni e favorire l’interazione dinamica tra gli spazi. Ogni area è delimitata da una gabbia in rete bianca di nylon, per richiamare una porta da calcio e ospita un giocatore, con una dotazione iniziale di tre palloni per gabbia. I partecipanti si sfidano per un tempo limitato, cercando di concludere la partita con il minor numero possibile di palloni nel proprio spazio.

La sfida mette in risalto velocità, precisione e controllo strategico, incoraggiando i giocatori a bilanciare azioni offensive e difensive, e favorendo un’esperienza immersiva e competitiva.

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La sua forma e la sua identità derivano dall’antica pratica orientale, giocosa e allo stesso tempo meditativa, di piegare la carta in un numero infinito di modi. Il principio base del gioco è trasformare un foglio di carta piatto in una forma tridimensionale complessa, sfidando costantemente la stabilità della struttura attraverso una serie di metamorfosi. L’Hanji House si basa sull’imprevedibilità della creatività, guidata però dalla precisione matematica: il padiglione è un oggetto mutevole che subisce continue trasformazioni al suo interno attraverso il gioco di luci e ombre.

La forma ricorda le antiche pratiche orientali di origami e tangram, oltre alle tradizionali case giapponesi e coreane basate su una semplice modularità geometrica. In questo caso, la combinazione di volumi è articolata a partire da quattro piramidi che sormontano un parallelepipedo, lasciando al centro una superficie piana romboidale. Anche se perfettamente simmetrica, Hanji House ha una voluta irregolarità: una delle piramidi svetta, più alta di due metri rispetto alle altre, rompendo l’equilibrio delle forme. Questa “torre” richiama l’idea di un faro e allo stesso tempo riprende l’architettura veneziana: l’intero padiglione rievoca le forme locali, dalla cattedrale gotica al peculiare stile rinascimentale dei palazzi, che si snodano dal Canal Grande fino alla parte interna dell’isola. L’immagine del faro, unita a quella della carta, sottolinea inoltre sia l’origine dell’oggetto come simbolico punto di riferimento, sia il suo aspetto mobile, mutevole.
La luce, protagonista dello spazio, crea effetti continuamente cangianti: dalla luce diurna più naturale, che ruota intorno al padiglione, alle illuminazioni e proiezioni notturne, che mettono in discussione la forma stessa della struttura dall’interno, facendola apparire distorta fino addirittura a farla risaltare totalmente dalla prospettiva del Canal Grande.

Altra ispirazione per questo oggetto nelle acque di Venezia è una delle installazioni più memorabili della storia della Biennale: il Teatro del Mondo, progettato da Aldo Rossi nel 1980. Ma il luogo in cui si trova, più che una destinazione, è da considerarsi un punto di partenza di un prossimo viaggio: Hanji House potrebbe essere smontata e rimontata, ovunque la sua luce possa servire ad attirare e guidare lo sguardo dei visitatori.
Esattamente come una lanterna di carta leggera, Hanji House può essere infatti piegata, spostata e adattata a diversi contesti con la stessa facilità di un foglio di carta che racchiude innumerevoli possibilità di trasformazione ancora da esplorare. Tutto questo grazie ad una valutazione sul ciclo di vita del padiglione e dei suoi materiali, per garantire la possibilità di smontare l’intera costruzione alla fine della mostra e ricostruirla altrove. Il padiglione, concepito come una versione in scala di un oggetto di carta pieghevole, riprende appunto il principio della “Paper-tree architecture”, coniato dall’artista Kwang Young Chun e riferito all’architettura che utilizza solo legno e carta, molto diffuso nella pratica tradizionale in Corea, Cina e Giappone. La scelta materica, perciò, è determinata dalle caratteristiche stesse della carta che l’artista usa per le sue opere e da una forte connessione con la natura. La struttura è realizzata in travi di legno LVL, un materiale innovativo particolarmente resistente alla flessione e ai carichi meccanici, che permette di ridurre notevolmente la sezione degli elementi costruttivi e dunque la quantità di legno utilizzato.

All’interno della Hanji House, un’installazione artistica immersiva e interattiva in tempo reale è stata realizzata dal media artist Calvin J. Lee, che ha tramutato in forma virtuale i pacchetti hanji triangolari creati dall’artista Chun Kwan Young, trasformando il padiglione in un vero e proprio “laboratorio multidisciplinare”.
L’involucro del padiglione diventa, poi, una superficie bianca vibrante che invita al contatto, una superficie che interagisce con luce e calore, conferendo all’Hanji House l’aspetto di un oggetto prezioso ma allo stesso tempo giocoso, un faro che illumina sia la splendida architettura rinascimentale in cui si trova che le opere d’arte che lo circondano.

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Tra le figure di spicco alla mostra anche l’architetto e urbanista Stefano Boeri – e tutti i collaboratori di Stefano Boeri Architetti China – con una visione sulle Città Foresta ed un modello cinetico che ne racconta le straordinarie potenzialità.
La mostra è curata da: Bruce Albert, Hervé Chandès, Fei Dawei, Isabelle Gaudefroy, Gong Yan; e vede protagonisti altri artisti partecipanti: Grga Basic, Jake Bryant, Johanna Calle, Alex Cerveny, Ehuana Yaira, John Gerrard, Francis Hallé, Hu Liu, Huang Yong Ping, Fabrice Hyber, Luc Jacquet, Joseca, Kalepi Sanöma, Mahmoud Khan, Cesare Leonardi, François-Michel Le Tourneau, Stefano Mancuso, Sebastián Mejía, Santidio Pereira, Jivya Soma Mashe, Jérôme Schlomoff, Franca Stagi, Afonso Tostes, Adriana Varejão, Cássio Vasconcellos, Luiz Zerbini, Zhang Enli.

Per Stefano Boeri Architetti, Trees è un’occasione unica per raccontare una visione su cui lo studio ha volto l’attenzione negli ultimi anni e portare una narrazione delle possibili soluzioni urbane, in relazione con il mondo vegetale.

Una conversazione tra Stefano Boeri e il filosofo Emanuele Coccia introduce i visitatori nel rapporto tra Botanica e Architettura, e si affianca da tre schermi che narrano un sistema complesso che mette le sue radici nei principi architettonici e concettuali del Bosco Verticale.

A sfondo dell’istallazione un grande wallpaper che mostra come la somma di più Boschi Verticali – così come la loro implementazione e applicazione a differenti scale – possa generare un sistema di Forest City, intesa come elemento base di un nuovo modello di urbanizzazione in Cina. Dalla Forest City, poi, si propongono nuovi sviluppi di Forest Archipelago e Forest Constellation.

Al centro dell’allestimento un modello cinetico 3×3 m mostra tre possibili sviluppi di Forest City, in diversi territori. La morfologia naturale viene alterata dalla nascita della città, mettendo in relazione la mutazione artificiale con il paesaggio naturale: una morfologia in continuo mutamento. Trentasei punti cinetici permettono di narrare – come mostrato nel video – differenti realtà naturali, da situazioni montuose a desertiche, su cui sono proiettate le immagini dei possibili sviluppi delle Forest Cities.

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La Radura è il manifesto di un primo gesto di rinascita del territorio e del quartiere e che anticipa l’opera Genova nel Bosco, legando così il ricordo delle vittime e delle loro famiglie e la visione d’insieme del futuro parco.

L’intervento è costituito di un podio ligneo circolare dal diametro di 50 m, all’interno del quale sono collocate 43 specie arboree differenti, la cui varietà richiama la biodiversità tipica della macchia mediterranea. La composizione radiale – che rimarrà a disposizione della città fino alla realizzazione del progetto del Parco del Polcevera e che verrà poi smontata e riutilizzata in ogni sua componente – è costituita una struttura lignea ricavata dagli abeti abbattuti il 29 ottobre 2018 dalla tempesta Vaia nell’Italia del Nord-Est, nelle foreste Carniche, e dimostra una costante attenzione per il cambiamento climatico e l’impatto ecologico della scelta dei materiali. Gli alberi, con le radici avvolte in fibre protettive, sono collocati in vasi di ampie dimensioni per l’acclimatazione, e favoriscono con la loro presenza la realizzazione di uno spazio intimo adatto alla meditazione ed alla lettura. Il podio, accessibile e fruibile pubblicamente, invita alla commemorazione ed alla sosta all’ombra delle fronde di diverse forme e colori. L’apertura rivolta a sud permette ai visitatori di raggiungere il cuore dell’istallazione.

Il podio circolare in legno oltre ad essere un percorso leggermente sollevato da terra, è di per sé un posto dove sostare. La struttura è alta 45 cm e larga 6,50 m e si può accedere attraverso dei gradini distribuiti sia sul lato esterno sia interno, invitando ad esperire tra l’ombra degli alberi, ognuno diverso dall’altro.

L’intervento progettuale risulta essere anche un grande elemento di arredo urbano dedicato alla collettività e facilmente fruibile dalla cittadinanza, nel totale rispetto della memoria delle vittime del crollo: integrata nella sua superficie, infatti, è presente una sottile lastra d’acciaio che riporta i nomi delle 43 persone decedute e che rende la Radura della Memoria prima di tutto un luogo di commemorazione.

L’installazione è accolta in uno spazio aperto più ampio, di cui gli alberi fanno da quinta scenica permeabile: la futura piazza tra via Via Fillak e Via Porro è allestita in maniera temporanea rimodellando l’area attualmente occupata dal cantiere del ponte e segnando un percorso in pietrisco più chiaro di accesso alla radura da est; nel cuore del cerchio si avrà invece un trattamento di colorazione più scura.

Di notte, la Radura della Memoria si trasforma in un paesaggio suggestivo di luci e ombre grazie agli spot luminosi posizionati lungo la pedana circolare e sotto le chiome degli alberi, rendendo l’elemento urbano una realtà in grado di raccontare lo scorrere del tempo, il susseguirsi dei giorni e delle stagioni.

La Radura della Memoria – definita anche grazie al contributo del Comitato dei familiari delle vittime di Ponte Morandi – anticipa il nuovo sistema di parchi e spazi pubblici che potrà accogliere in futuro anche il Memoriale con la Serra della Biodiversità mediterranea, la Green Factory, ed il Cerchio Rosso – una nuova infrastruttura ciclo-pedonale e di energia – in un sistema simbolico e di manifesto di una ricucitura urbana tra le sponde della valle del Polcevera. Il Parco del Polcevera e il Cerchio Rosso ideato dal raggruppamento temporaneo composto dallo studio Stefano Boeri Architetti, capogruppo del team di progettazione, Metrogramma di Andrea Boschetti, Inside Outside di Petra Blaisse, con Mobility in Chain, Transsolar Energietechnik, Studio Laura Gatti, Secondo Antonio Accotto, e la consulenza specialistica di H&A Associati, Temporiuso e dell’artista Luca Vitone, si sta sviluppando attraverso un processo partecipativo, con la regia del Comune di Genova, l’Assessorato all’Urbanistica ed Urban Lab, e che vede coinvolti la cittadinanza e una serie di soggetti, pubblici e privati, portatori d’interesse (in primis, il Comitato dei familiari vittime, i cittadini di Via Porro e Via Fillak e di Certosa, le scuole e il Municipio, la Regione, RFI, Confindustria, FILSE, Ansaldo Energia, San Giorgio Seigen, IRETI, ecc.).

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Il Bosco Morto ideato da Stefano Boeri Architetti porta l’idea di un antimilitarismo universale a un livello superiore, elevandosi al di sopra delle lotte tra esseri umani per concentrarsi sulla relazione, oggi spesso conflittuale, tra la specie umana e l’ambiente naturale. L’idea di progetto, infatti, nasce dalla necessità di creare, attraverso gli strumenti della cultura e del progetto, un ponte tra due tragedie distanti 2000 anni, tra due regioni distanti 1500 chilometri: il Friuli Venezia Giulia e la Sicilia.

Il Bosco Morto invade la scena e lavora in contrasto con gli alberi viventi situati nel paesaggio retrostante, in ricordo dei milioni di abeti abbattuti il 29 ottobre 2018 dalla tempesta Vaia nell’Italia del Nord-Est, nelle foreste Carniche. L’impatto economico e ambientale della violenta tormenta che ha distrutto un’area di 41.000 ettari di boschi deve ancora essere calcolato, ma le stime approssimative dimostrano che la quantità di legname, abbattuto dalle raffiche di vento più violente che questa zona abbia mai visto, sia 7 volte superiore alla quantità di materiale che tutte le segherie italiane lavorano normalmente in un anno. I tronchi degli abeti diventano protagonisti della scena mettendosi in costante dialogo sia con gli spettatori umani seduti nella cavea teatrale, sia con il pubblico di cipressi e pini marittimi situati in direzione opposta, dando medesima importanza ad entrambe le platee.  Secondo la visione della regista Muriel Mayette-Holtz, le Troiane sono tra noi con le sembianze dei rifugiati che fuggono dalla distruzione e dalle guerre nei loro paesi d’origine in cerca di un futuro migliore attraversando il Mediterraneo. Sono le vittime degli attacchi terroristici, confuse e disorientate.

L’allestimento è connotato da un impianto estremamente regolare che riprende da una parte le proporzioni perfette dei templi greci classici, richiamando dall’altra l’archetipo della colonna: tale regolarità è brutalmente compromessa dalla violenza del vento che dà vita a un sentiero di alberi abbattuti, rompendo la sacralità del “tempio” e portando sulla scena una sensazione di ansia e instabilità. 250 tronchi, alti 4, 5, 6 e, eccezionalmente, fino a 8 metri danno vita ad un bosco destinato ad essere un rifugio e una prigione sia per i protagonisti che per il coro, facendolo apparire esattamente come Troia che, sconfitta, così si mostrava alle sue vedove e ai suoi orfani. Gli attori sono anonimi, i Greci e i Troiani sono coperti con la polvere delle rovine di guerra, così come tutta la superficie della scena: sono ancora vivi ma il prologo predice una fine dolorosa sia per gli schiavi che per i padroni, dando a entrambi lo stesso aspetto di morti che camminano.

Lo spettacolo lascia comunque il pubblico con un messaggio di speranza: è infatti compito di ogni individuo decidere se la presenza umana sul pianeta debba per forza essere devastante oppure sia possibile un atteggiamento più costruttivo. Alla fine di ogni rappresentazione, i cinquanta attori protagonisti distribuiscono piccoli alberi di leccio agli spettatori che possono essere piantati in un’area specifica della periferia di Siracusa, già scelta con l’amministrazione. Vengono, così, narrate le tre vite del Bosco: il prologo, la scena e l’epilogo. La prima in ricordo dei boschi di abeti rossi delle Prealpi Carniche distrutti dalla tempesta; la seconda composta dal viaggio, dalla messa in scena dei tronchi morti e dal loro trasferimento in dono presso la Filiera del legno siciliana come materiale produttivo; la terza come simbolo di una nuova rinascita. Il gesto finale, infatti, diventa la conferma tangibile dello sforzo minimo che ognuno individuo può fare portando davvero la differenza: le 50 persone coinvolte, dopo 20 repliche, avranno piantato una foresta di 1000 alberi per la loro città. Il Bosco delle Troiane.

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Il risultato è un’esposizione unica che si estende in un ampio spazio di 400 mq aperto su quattro lati: Woodland è realizzato con pali in legno di diverse altezze che definiscono molteplici ambienti o “stanze” dove i prodotti infiniti sono esposti e vissuti. L’infoltimento della cortina di pali crea spazi intimi e riparati rispetto al vortice dei visitatori del Salone, ma allo stesso tempo – dove i pali si assottigliano – Woodland si apre completamente verso l’esterno invitando i visitatori ad entrare.

Woodland dà vita così a un luogo permeabile e inclusivo, dove le sedute disegnano nuovi modi di vivere non solo la casa, ma anche il mondo dell’ospitalità e dell’ufficio, dove il design diventa strumento per entrare in contatto con un nuovo approccio di guardando allo spazio e all’ambiente.

“Il legno non è solo intimità e calore, ma è anche il materiale ecologico per eccellenza. Rispetto ad altri elementi, il legno è vivo, capace di adattarsi ad ogni lavorazione e ad ogni utilizzo, conservando il suo stato naturale e fisico. Un materiale in grado di ricrescere, che può essere ottenuto in modo ecologico, può durare a lungo e, grazie alla sua biodegradabilità, può essere reintegrato nel ciclo naturale al termine del suo utilizzo. Proprio questa versatilità ci ha permesso di creare, in sintonia con Infiniti Design, uno spazio aperto e permeabile e quindi un limite per essere vicini.” Stefano Boeri

Woodland è uno spazio interamente realizzato con materiale proveniente dalla filiera del legno FVG

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Cinque modelli in scala 1:50 rappresentano le sezioni caratteristiche di alcuni Boschi Verticali sviluppati dallo studio. L’intero allestimento della sala si ispira all’idea di alberi sospesi in aria: i supporti dei plastici sono appesi alla stessa altezza dei pannelli raffiguranti i prospetti di 10 progetti emblematici (Bosco Verticale di Milano, Le Torri Verdi di Nanchino, Trudo Vertical Forest, Wonderwoods, La Forêt Blanche di Parigi, i Boschi Verticali a Huanggang e Shanghai. A chiudere la selezione è la visione utopica di una Colonia dei Boschi Verticali su Marte). Ogni pannello fornisce al visitatore le informazioni essenziali sull’impatto ambientale dell’edificio, la sua altezza e conformazione e i dati sulle dimensioni e sulla popolazione della città in cui si trova. Una serie di video racconta lavori significativi dello studio a livello di progettazione urbana sostenibile, come i piani strategici per Tirana (TR030) e Un Fiume Verde per Milano. Inoltre i visitatori hanno la possibilità di vivere l’esperienza immersiva del Bosco Verticale attraverso la tecnologia di realtà virtuale, che ricrea l’ambientazione dentro e fuori dall’edificio, in sospensione, da molteplici punti vista, grazie al documentario a 360° prodotto da Surround Vision, in collaborazione con Stefano Boeri Architetti.

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